Josiane Roberge est une artiste visuelle, cinéaste et vidéaste qui explore l’impalpable de la rencontre de soi et de l’autre à travers les médiums de la vidéo, de la photographie et de la performance. Sa pratique se situe entre art action, art relationnel et images en mouvement. Roberge cherche à trouver des symboles forts au sein d'actions simples - marcher (Les Marcheurs), embrasser (La prière), ramer (Passagère) - desquelles je peux faire surgir l’essentiel. Le médium temporel de la vidéo lui permet de traduire des états intérieurs en mettant l’accent sur la présence, la lenteur et le déploiement de vérités.

Kama La Mackerel est un·e auteur·ice multilingue, artiste visuelle, performeur·e, traducteur·ice et éducateur·ice qui croit en l'amour, la transformation et la justice. Son travail interdisciplinaire façonne des espaces hybrides et articule des vocabulaires décoloniaux et queer. Avec une attention pour les récits océaniques, la souveraineté des îles, la poétique transgenre et la guérison ancestrale, l'ensemble de ses créations remet en question les notions coloniales d'espace-temps en lien avec l'histoire, le pouvoir, le langage, le corps, et la formation du sujet.

Khadija Baker is a Montreal-based, multidisciplinary artist of Kurdish-Syrian descent (born 1973 in Amuda, Syria). Baker immigrated to Canada from Syria in 2001; she completed her MFA studies at Concordia University 2012. She is a core member of the Centre for Oral History & Digital Storytelling (COHDS) at Concordia University. Her installations investigate social and political themes centered on the uncertainty of home as it relates to persecution, identity, displacement, and memory. As a witness to traumatic events, unsettled feelings of home are a part of her experience. Her multidisciplinary installations often combine textiles, sculpture, performance, sound and video, and involve participative storytelling and performance to create active spaces for greater understanding. Baker continues her research creation at the Centre for Interdisciplinary Studies in Society and Culture (CISSC) at Concordia University. She was awarded Rewilding Arts Prize by David Suzuki Foundation and Rewilding Magazine. Most recently she was awarded Miriam Aaron Roland Family Scholarship for her research creation at Concordia University.

Over the last forty years, Leila Sujir has been building a body of video art works using a mix of fiction, fantasy and documentary with visual and audio collage techniques. Her video art works have been shown in group shows at the Museum of Modern Art (New York) and the Tate Gallery (Liverpool), as well as galleries all over the world. Her work is in collections including the National Gallery of Canada and the Glenbow Museum.

Bourjoi, considère que depuis plus de 30 000 ans, l’art est recherche d’humanisation. Par conséquent, ce qui conventionnellement se dit de l’art n’est pas satisfaisant. Il croit que l’histoire linéaire logico-mathématique agrémentée d’éphémères certitudes modernistes ou même contemporaines n’est pas concluante. La nature de l’humain véritable étant naturelle, c’est à dire insaisissable en l’humain autant que hors de l’humain, de même que narrative, donc psychique, cela se réalise par l’imagination. L’art en est le premier outil et la culture, l’esprit de l’humanisation. L’Être humain ne devient Être et humain que lorsque par l’art et la culture il s’imagine ainsi. En ce sens, chacune de ses œuvres est une recherche singulière, une aventure en soi. Parfois brutales, souvent discrètes, poétiques ou esthétiquement ravissantes, sans jamais cesser d’être signifiantes, toutes sont également expression d’un beau métier comme le lui ont montré fièrement de multiples manières les ouvriers avec lesquels il a œuvré durant vingt-cinq ans. Ce qui a fait de Bourjoi pourtant détenteur d’une maîtrise en enseignement des arts ; l’artiste-ouvrier d’Hochelaga. Chacun de ses éléments, que ce soit le médium, le figuratif ou le non figuratif, la couleur ou l’absence de couleur, n’est formellement qu’instrument du langage plastique autant que l’orthographe, le vocabulaire, les mots et phrases sont constitutifs de l’art lexical qu’il soit roman, essai ou poésie. Pour Bourjoi, que l’œuvre soit recherche personnelle de l’artiste ou commande, comme il en est de l’art littéraire, chacune de ses œuvres est un nouveau récit à la recherche d’un idéal de sens humain.

Jane Eyre Jordans is a multidisciplinary artist who explores the intersections of identity, memory, and personal experiences mainly through video, performance, and installation art. Born to a Canadian Italian-Jamaican family, her work reflects her unique background and perspective as a queer mixed-race black woman.

Toujours peindre depuis l`age de 17 ans à aujourd`hui fait parti de ma vie. Je termine un bac en enseignement des arts sur le tard. Maintenant retraité je veux partager mon expérience comme peintre sculpteur. J`ais exposé,fais des symposiums ,donné des cours: aquarelle, acrylique, peinture sur verre,sculptures au niveau primaire, adultes....

Les concepts d’art et d’ingénierie comprennent ma vison de l’innovation basée sur l’ambiance et la collecte de données empiriques reliées à un lieu. Mon exploration est enracinée dans la propriété des matériaux, l’expérimentation d'assemblage, la technologie, le ''craftmanship'', la nature et expression. J’applique ma perception et mon attention au service de mon travail et celui des autres en collaborant.

Malika a baigné depuis son enfance dans un milieu d’arts au contact de son frère ainé Ray Slim, lui-même artiste peintre. Un artiste qui a énormément influencé ses créations. Créations qui vont du semi-figuratif à l’abstrait.

Depuis plusieurs années, j'œuvre dans le but de développer et de traduire mes connaissances en costumes de scène vers l’ère des opérations numériques. Je suis dotée d'une énorme créativité quand vient le temps de jumeler les nouvelles technologies aux beaux-arts.

Martin est un autiste interdisciplinaire qui puise l’inspiration de sa pratique dans l'absurdité du monde qui l'entoure. Sa démarche artistique se concentre sur l'irrévérence et la recherche de l'esthétique au sein de l'inesthétique. À l'instar de Robert Rauschenberg, il remet en question le consumérisme en récupérant des rebuts abandonnés qu'il transforme en œuvres brutes. Son statut d'handicapé et sa situation de pauvreté deviennent des médiums d’art militant, lui permettant de dénoncer l'hypocrisie et le paradoxe des diverses violences perpétrées au nom d'une société civilisée.

Myriam Lafae est une artiste multidisciplinaire de la relève originaire de Québec et résidant à Victoriaville. Elle est l’instigatrice de la marque de vêtements éthiques AYAM Creation depuis 2013, mère, détient de 2 baccalauréats en arts visuels et 2 certificats; en anthropologie et en philosophie pour enfants. Lafae développe une pratique installative mélangeant plasticité et nouveaux médias, et affectionne la construction de projets interactifs d’art total. Écoféministe ascendant sorcière avec une lune en jaguar, elle œuvre au réenchantement des mondes dans une perspective écosensible, immersive et sensorielle, en posant un regard critique sur l’ontologie occidentale dominante. Elle intègre le vivant à sa démarche et perçoit son processus créatif comme une succession de gestes orientés vers le « prendre soin », et l’art comme un outil de guérison. Ces œuvres cherchent à rompre avec le temps réel et adopte une esthétique foisonnante à l’image de la nature et des mondes culturels.En 2020, elle fonde le collectif Arsenal Imagine, qui conçoit des œuvres à vocation sociale. Dans le cadre de la BNSC2022, elle réalise le projet AnthropoSème: mini-golf artistique et végétal en partenariat avec le CAJEMA, et en 2024, elle remporte deux bourses et deux mentions pour son projet Le jardin des entre-mondes.