Chaque projet, chaque personne, chaque sillon de ride est une histoire, un souvenir, un voyage. En images, je raconte.

Même si j'ai touché à d'autres médiums, le pastel sec reste mon préféré.

j’étais enfant, mes parents sont partis enseigner en Afrique. Durant les vacances d’été, nous avons visité tellement de musées d’art en Europe que j’en ai été saturée. Mon père avait développé une telle passion pour l’histoire de l’art qu’il l’a ensuite enseignée. De retour au pays, mon parcours artistique était tracé et je me suis inscrite au CÉGEP du Vieux-Montréal afin d’obtenir un DEC en arts et ensuite à l’Université du Québec où j’ai obtenu, en 1983, un baccalauréat en arts Durant mon adolescence, mes parents ont, avec un couple ami, ouvert une galerie d’art au bord du Richelieu. Ce commerce complexe et exigeant a tôt fait de prendre énormément de place dans nos vies aboutissant ainsi au divorce de mes parents. Par la galerie, nous avons développé des liens avec un certain nombre d’artistes au parcours accompli. La naïve apprentie artiste que j’étais a commencé à se comparer désavantageusement. Dans ce contexte trouble, s’est érigé une sorte de blocage qui a démobilisé mon élan créateur. Ce blocage a perduré durant de très nombreuses années. Bien que mon parcours académique ait été maintenu, ma spontanéité et le plaisir de peindre ont alors pratiquement disparus. J’ai bifurqué pour une voie qui m’a paru salutaire, l’enseignement des arts dans différents contextes dont les écoles primaire et secondaires de Montréal. J’ai exercé cette profession avec plus ou moins de bonheur durant vingt-cinq ans, ce qui a eu le mérite d’assurer ma subsistance. Selon mes disponibilités, tant physiques que mentales, ma création a fluctué entre d’intenses périodes de production et de longues périodes de silence. Retraitée depuis plus de cinq ans, je me suis remise à peindre avec plus d’assiduité. Durant la pandémie, j’ai pratiquement fait un collage par jour. Ils expriment mes questionnements et l’anxiété en lien avec cet évènement mondial. Puis, après avoir passé sept semaines en Europe, ma création a bifurqué. La présence du passé, dans chaque pierre, dans chaque maison ou monument m’a profondément émue. Qu’il existe une continuité entre le monde d’hier et aujourd’hui sans apparente rupture m’a fascinée et apporté une sorte d’apaisement. J’ai retrouvé le plaisir de peindre et je suis déterminée à le faire de façon toujours plus affirmée.

Claude Majeau crée des dispositifs de collaboration où le processus devient central. Ses projets s’inscrivent dans une recherche d’alternative au présent en liant la création à l’engagement social et féministe. Elle réalise des projets avec et dans la communauté, des interventions artistiques de plus en plus fainéantes et elle peint.

Born in Hamilton, Ontario, Colette Campbell-Moscrop is a transdisciplinary artist with a practice rooted in drawing and has lived in Montreal since 1986. In 2013, she returned to university to study visual arts at Concordia University. She completed her BFA (Studio Arts) in 2016 with Great Distinction. In addition to her current art practice, she is also involved in the artistic community of Montreal as a board member with the non-profit organization Art Cible.

Danielle Doucet, Artiste multidisciplinaire de Gatineau, Danielle entame son cheminement culturel en danse contemporaine pour poursuivre vers les arts visuels. Elle pratique les métiers de la mode et se consacre par la suite aux arts visuels. Au fil de sa carrière, elle reçoit prix, bourses et subventions, réalise des expositions collectives et en solos, enseigne et anime des ateliers. Impliquée dans sa région, elle participe sur plusieurs jury dont le Conseil des Arts du Canada. Elle est la première présidente des Ateliers du ruisseau et membre de CARFAC depuis 2018.

Regarder autour de moi avec les yeux de l'imaginaire me donne mille possibilités de créer de façon libre et inventive.

Démarche Ma démarche artistique cherche à démontrer la dichotomie sociétale opposant l’individuel et le bien commun à l’ère du réchauffement climatique. Mon travail de création pictural se situe au cœur du monde animalier confronté aux répercussions du climat et à la destruction de son environnement. À cela, s’ajoute une réflexion à vouloir traduire l’urgence de notre comportement face à l’inévitable menace de l’extinction de certaines espèces y compris la nôtre. Cette recherche amorcée avant la pandémie 2020 prend une dimension inattendue et me conforte à vouloir aborder, avec moins d’ironie cependant, l’enjeu d’une véritable force créatrice et évocatrice de nos peurs, de notre vulnérabilité, de notre finalité. Inspirée du mot disparition, et de ses multiples déclinaisons telles que quitter, fuir, partir en hâte, se sauver, je conçois des espaces et des lieux envahis de personnages et de paysages inattendus dans la survie d’un environnement en perte de repères. Élaborés à partir de collages photographiques, de dessins et d’illustrations, j’assemble des fragments de photos, j’ajuste la transparence, les déforme, les pixélise afin d’obtenir plusieurs versions d’une même image unifiée. J’explore diverses compositions dans lesquelles l’abstraction, le rythme et la répétition (taille, position, orientation) sont des éléments très actifs au sein de la représentation. Ensuite je choisis la matière et le support d’impression numérique à partir duquel je peins, dessine et applique les collages.

Danielle R O Y Artiste en Arts visuels, directeur artistique et metteur en scène Danielle R O Y a d’abord travaillé en dessin animé pour ensuite se diriger en design graphique et expositions où elle est reconnue internationalement. Celle-ci a créé et réalisé des dizaines d’immenses défilés / parades et opéra urbain. Cofondatrice de Juste pour rire, elle crée un style visuel fort et amène l’Art dans l’urbanité. Elle collabore avec les plus grands : Charles Trenet, Milton Glaser, Jean Paul Gaultier, Franco Dragone et Michael Curry. Toutes les facettes de son parcours servent aujourd’hui sa création. Roy Box en assure la réalisation.

Après ses études en ébénisterie et en design d’intérieur à l’école Boule (Paris), David Farsi a développé une carrière d’artiste autodidacte. Influencé par son enfance en Afrique, ses nombreux voyages et sa formation en métier d’art, David s’est construit un univers personnel tel un véritable bestiaire surréaliste. Sa démarche l’a conduit à explorer diverses techniques d’expression comme la peinture, la sculpture, la mosaïque, le vitrail…. De ses explorations David a développé une expertise de la laque. Reconnu comme spécialiste, ses années de créations parisiennes ont été prolifiques. David a fait de nombreuses expositions, participé à de nombreux salons et a remporté plusieurs prix. Au début des années 2000, nourrir sa démarche impliquait pour David Farsi un changement d’espace. C’est à ce moment-là qu’il s’installe au Québec avec un projet en tête celui de travailler une nouvelle « matière » le pixel. De 8 ans de recherche, un projet est né, 1024 œuvres autonomes carrées comme autant de pixels pour composer une seule œuvre le Ko (Kilooctet). Depuis une dizaine d’années Farsi a repris un travail plus traditionnel de peinture. Sa recherche le guide vers de nouvelles formes et l’exploration et le détournement de matériaux actuels. Son travail récent est marqué par un dessin linéaire et affirmé. Sa démarche le conduit à réfléchir à la complexité des rapports humains. On retrouve ses œuvres dans plusieurs musées européens et parmi des collections publiques et privées dans le monde.