Après ses études en ébénisterie et en design d’intérieur à l’école Boule (Paris), David Farsi a développé une carrière d’artiste autodidacte. Influencé par son enfance en Afrique, ses nombreux voyages et sa formation en métier d’art, David s’est construit un univers personnel tel un véritable bestiaire surréaliste. Sa démarche l’a conduit à explorer diverses techniques d’expression comme la peinture, la sculpture, la mosaïque, le vitrail…. De ses explorations David a développé une expertise de la laque.

Reconnu comme spécialiste, ses années de créations parisiennes ont été prolifiques. David a fait de nombreuses expositions, participé à de nombreux salons et a remporté plusieurs prix.

Au début des années 2000, nourrir sa démarche impliquait pour David Farsi un changement d’espace. C’est à ce moment-là qu’il s’installe au Québec avec un projet en tête celui de travailler une nouvelle « matière » le pixel. De 8 ans de recherche, un projet est né, 1024 œuvres autonomes carrées comme autant de pixels pour composer une seule œuvre le Ko (Kilooctet).

Depuis une dizaine d’années Farsi a repris un travail plus traditionnel de peinture. Sa recherche le guide vers de nouvelles formes et l’exploration et le détournement de matériaux actuels. Son travail récent est marqué par un dessin linéaire et affirmé. Sa démarche le conduit à réfléchir à la complexité des rapports humains.

On retrouve ses œuvres dans plusieurs musées européens et parmi des collections publiques et privées dans le monde.

Élu à l’AGA du 17 juin 2019

Photographe professionnel depuis 1981

Artiste en art visuel depuis 1999

Admis à l’Académie royale des arts (RCA) en 2004 (CA 2010-2015)

Directeur photo/réalisateur depuis 2011

Travaillant en équipe ou en solo, en région urbaine tout autant qu’en zone éloignée.

Toutes ces années de pratique professionnelle l’ont amené d’est en ouest au Canada incluant l’Arctique, mais aussi ailleurs en Amérique, Europe, Asie et Afrique.

En 1999, il amorce le développement d’un volet « libre » artistique, il ajoute la vidéo en 2011.

L’essentiel de sa recherche d’interprétation du paysage est fait à partir de prise de vue aérienne.

Depuis son élection à l’Académie royale des arts du Canada, il a participé à plus de 35 expositions solos et de groupe tant au Canada qu’en France.

Formation
Dawson Institute of Photography, Montréal, promotion 1980

INIS, Montréal, montage vidéo

Coopté le 26 novembre 2018

Avery Zhao-Djokic est une artiste en peinture et sculpture. Elle a obtenu un baccalauréat en design de mode de la Grande Ecole ESMOD à Paris (École supérieure des arts et techniques de la mode). Pendant plusieurs années elle a travaillé comme styliste à Paris et à Montréal pour des marques internationales, ce qui l’a amenée à des voyages de recherche en Europe, en Asie et aux États-Unis.

Elle travaille actuellement à la Faculté des beaux-arts et à l’Institut Urban Futures de l’Université Concordia à Montréal, tout y en complétant un baccalauréat en arts plastiques.

Avery se produit en tant qu’artiste visuelle dans des festivals d’art et des concerts où elle crée des peintures en direct. En 2017 son projet de performance interdisciplinaire, Art Crush, a donné un spectacle au Bourgie Hall du Musée des beaux-arts de Montréal en collaboration avec Ensemble Caprice, un ensemble de musique baroque. Avery est inspirée par la collaboration entre diverses disciplines notamment les beaux-arts, les arts de la scène et le design. Au sein de son ensemble Art Crush, elle dirige des projets interdisciplinaires avec des artistes en arts visuels, des musiciens et des danseurs.

En peinture, elle s’inspire aussi bien de la peinture documentaire ou historique que des sujets futuristes. En sculpture, Avery cherche à interpréter les dynamiques entre l’homme – la machine et les sociétés urbaines. Elle communique ces idées en utilisant souvent des matériaux réactifs ou ‘intelligents’ et les techniques de la répétition, la gradation et le rythme. Ses sculptures sont généralement composées de pièces soigneusement conçues, de pièces de puzzle ou de formes répétitives qui se rejoignent en une seule forme. L’épopée, la nostalgie, le futuriste ou le fantastique sont également explorées dans ses œuvres.

Élue : AGA 2017

Secrétaire/trésorière : 18 juin 2018 / 17 juin 2019

Originaire de Hudson Heights, au Québec, Shelley Freeman a suivi des études en arts plastiques et typographie à York University. Avant de déménager à Montréal en 1979, elle a travaillé pendant 2 ans chez Coach House Press à Toronto, puis a entamé une longue carrière comme travailleuse sociale en psychogériatrie. Ses obligations professionnelles ne l’ont pas empêchée de poursuivre en même temps des activités artistiques. En 1999, elle a obtenu son baccalauréat en arts plastiques de l’Université Concordia et est devenue membre du RAAV.

Depuis plus de 20 ans le travail artistique de Shelley se concentre sur l’interprétation des espaces vides que l’on retrouve dans les cavités naturelles telles que les grottes et les formations rocheuses, ainsi que dans les structures construites par l’homme, tels les tunnels et les mines abandonnées. L’inspiration visuelle pour ses peintures provient de photos qu’elle prend en faisant de la spéléologie et des randonnées. Sa fascination pour la dimension de la profondeur l’a également amenée à explorer l’univers sous-marin à travers son art. À ce jour, elle a exposé plus de 250 peintures et gravures sur ces deux thèmes, dans des expositions individuelles et collectives. Ses oeuvres font partie des collections publiques et privées à travers le Canada, ainsi qu’au Japon, en Australie, en Nouvelle-Zélande et aux États-Unis.

Shelley a été élue au conseil d’administration du RAAV en 2016 et occupe le poste de vice-présidente depuis juin 2019. Depuis 2017, elle représente le RAAV au conseil d’administration de CARFAC (Canadian Artists’ Federation/Fédération des artistes canadiens). Shelley est également membre d’ELAN (English Language Arts Network), et elle s’implique comme bénévole pour des événements culturels dans la communauté.

Installée à Trois-Rivières, Lana Greben est détentrice d’une maîtrise en muséologie et pratiques des arts de l’Université du Québec en Outaouais (2017) et elle poursuit ses études au doctorat en études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches portent un caractère transdisciplinaire : son travail s’apparente au texte comme un nouveau tissu de citations qui s’ouvre aux possibilités d’emprunts, à la transposition d’un système de signes en un autre.  Le dessin donne accès à sa signature unique, matérielle composée d’une multitude de lignes brisées opérées par un système de répétitions.  Elle réfléchit sur l’inscription de l’image dans le registre de données visuelles et sur sa portée informative.  Dans cet axe, elle s’intéresse à l’imaginaire de l’anti-surveillance et aux nouvelles formes du pouvoir provoquées par l’écosystème numérique et le capitalisme de surveillance.

Originalement porteuse d’une culture européenne, sa vision du monde se façonne par les différents espaces géographiques et collectifs dans lesquels elle évolue.  Pendant plus de 10 ans, elle a dirigé des projets dans le domaine de l’art visuel en sol abitibien.  En réconciliant sa propre pratique en recherche-création avec la promotion du travail des artistes du Québec, elle a monté des expositions ayant des approches tant traditionnelles qu’expérimentales, jumelant des références provenant de l’art contemporain, de l’histoire, de l’anthropologie, de l’ethnographie, de la sociologie, de la littérature, de la culture populaire et du quotidien.  Son travail artistique a été exposé au Canada, en Espagne, en Belgique, en France, en Roumanie, en Angleterre, au Vatican et aux États-Unis lors d’expositions collectives et solos.  Elle est récipiendaire de plusieurs prix décernés par le Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec (2010-2016), par l’Académie Arts Sciences Lettres de Paris (2012), par les Femmes en affaires d’Amos-région (2017), elle est aussi boursière de la Fondation de l’UQO (2016) et de l’UQTR (2019). Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et institutionnelles – la collection de la Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BAnQ), la collection de Southern Nevada Museum of Fine Arts Las Vegas. Elle est représentée par la galerie Rock Lamothe – Art Contemporain.

Élue à l’AGA du 6 septembre 2020

C’est à la lumière de quatre influences majeures : ses origines polonaises, son enfance auprès de la nature abitibienne, ses connaissances psychologiques et dernièrement, ses contacts avec les Inuits, que l’on peut le mieux saisir l’essence de ses œuvres et son parcours en tant que sculpteur sur pierre. À ses débuts, il sculpta des personnages contant des histoires basées sur la mythologie ou l’ésotérisme ; idée qu’il exploita au maximum. Voulant parfaire son apprentissage de la sculpture sur pierre, il sculpta de façon répétitive des corps humains, des têtes et des animaux dans l’optique de découvrir la meilleure technique pour sculpter ces pièces. Ce lui permis ensuite d’enseigner ce qu’il avait appris par essais et erreurs.Toutes ses sculptures sont reconnaissables par le fait qu’il ajoute des éléments secondaires à ses pièces. Par exemple, une sculpture de poisson installée sur une base avec des pierres et des morceaux de bois afin de créer un effet plus réaliste.

Souvent limité par les sujets sculptés, il décida de travailler directement la pierre, tout en y exploitant les formes et la géométrie. Petit à petit, il développa une technique qu’il nomma style libre. Il n’inventa pas cette technique, mais la conceptualisa, en tenant compte de l’aspect tridimensionnel de l’objet. L’objet doit être sculpté à la fois sur la longueur, la hauteur et la largeur. Cette technique qu’il raffina et que l’on reconnaît dans ses sculptures abstraites et figuratives, tient compte de ces différents facteurs. De plus, il y ajouta (un peu à la manière de la dentelle russe) un mouvement qui doit envelopper la pièce, tout en conservant ou en créant des propriétés géométriques. Dans cette approche, il essaie de créer un mouvement perpétuel autour de la pièce. Les ouvertures ou espaces négatifs sont alors utilisés pour accentuer ce mouvement, séparer les éléments ou créer une sorte de passage d’un côté de la pièce à l’autre.

Aujourd’hui, c’est la première technique qu’il enseigne à ses élèves. Il leur explique que l’expression artistique doit être dictée par la forme de la pierre. La technique et les différents outils sont au service de l’imagination. Le fait d’avoir monté l’atelier de sculpture sur pierre et d’avoir enseigné au Centre d’amitié autochtone de Montréal a grandement contribué au développement de ses sculptures d’influence autochtone. Lors de ces ateliers, il essaie d’amener les sculpteurs autochtones à voir la sculpture traditionnelle d’une façon plus moderne, en prenant ses propres sculptures en exemple. Il travaille actuellement ses nouvelles sculptures en développant une approche complètement différente avec des traits plus féminines, toute en allient sa technique abstraite à des éléments figuratifs. Pour lui, sculpter c’est : donner un peu de son âme ; telle une chrysalide qui devient un papillon.

Élu AGA 17 juin 2019

Lise Létourneau est détentrice d’un certificat en arts plastiques de l’Université du Québec à Hull, d’un baccalauréat en Design de l’environnement de l’Université du Québec à Montréal et d’un diplôme de l’École des Beaux-Arts de Montréal.

Son travail se subdivise en deux pratiques distinctes mais complémentaires : d’une part, ses œuvres éphémères dont l’aboutissement s’est légèrement modifié depuis qu’elle habite tantôt la ville, tantôt la campagne; les installations in situ qu’elle exécute en campagne sont alors photographiées pour alimenter un travail qui, par après, se fera, en ville, à l’ordinateur. D’autre part, il y a ses œuvres textile et fibres qui sont diffusées lors d’expositions et d’événements collectifs tant au Québec qu’à l’étranger.

En 2011 elle reçoit une bourse du CALQ pour réaliser un projet d’eploration en Patagonie, dans le delta du Parana (Argentine) et dans le parc régional Kiamika (Haute-Laurentides, Québec). Le projet s’est échelonné sur trois ans durant lesquelles elle travaille avec Eliana Castro, José Carracedo et Wanda Campbell. Le résultat fut la réalisation d’une publication et la présentation de 3 expositions dont la dernière en septembre 2013 au prestigieux Museo Sivori de Buenos Aires,

Son travail en arts textiles, quant à lui, l’a amené à participer à trois événements internationaux: Triennale de minitextile d’AngersDe l’imaginaire au virtuel (1997-1998) (Musée du textile d’Heidelberg, Allemagne; Musée de l’Industrie de Trondheim, Norvège; Musée d’Angers, France); International Exhibition Flax 96- The same but different… (1996)  (Galerijoje Arka, Vilnius, Lithuanie); Biennale de miniature de Ville-Marie 2010. Une de ses œuvres  a fait l’objet de l’exposition  La Rencontre, Y Cyfarfod, The Meeting, Nitu Natshiskuataw. Cette exposition, en collaboration avec Diagonale, Centre des arts et des fibres du Québec, a été présenté à Cardiff au Pays de Galles. Et a par la suite fait l’objet d’une tournée dans plusieurs leux de diffusion au Québec. Depuis 1996, elle partage l’immense projet Roches nomades avec l’artiste Wanda Campbell.

Lise Létourneau est membre du conseil d’administration des Arts et la Ville depuis 2012 et a été présidente du Regroupement des artistes en arts visuels (RAAV) de 2007 à 2012. Elle est également membre artiste professionnel de Diagonale, Centre des arts et des fibres du Québec, dont elle a assumé la présidente jusqu’en 2006. Elle a été membre du conseil d’administration du Conseil de la culture des Laurentides de 1996 à 2004, présidente du Conseil des Arts Textiles du Québec de 1998 à 2002. De 2002 à 2007 elle a siégé, a titre de spécialiste, sur les comités de sélection pour la Politique d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics du Gouvernement du Québec.

Réélue AGA 2 juin 2018

Secrétaire – septembre 2016 – mai 2018

François Le Moine est avocat. Il pratique en litige, en droit des arts et en droit d’auteur et travaille pour divers acteurs du milieu culturel. Il a notamment représenté neuf institutions culturelles canadiennes (dont le Musée des beaux-arts de Montréal et le Musée d’art contemporain) devant la Cour d’appel fédérale dans le dossier Caillebotte, qui porte sur la définition de l’« importance nationale » au sens de la Loi sur l’exportation et l’importation des biens culturels.

Après avoir étudié à l’Université Paris 1 : Panthéon-Sorbonne et à l’École des hautes études en sciences sociales, il a complété son droit à l’Université McGill. Il a également effectué des séjours d’études aux universités de Keio (Japon), Shantou (Chine) et Copenhague (Danemark). Il enseigne le droit des arts et du patrimoine culturel de même que la philosophie du droit à l’Université de Montréal et est membre de la Commission permanente de l’art public de Culture Montréal.

Née en 1957 dans un petit village d’Abitibi, Gaëtane Dion vit différents déracinements géographiques avant de s’installer à Sainte-Catherine-de-Hatley en 2021. Ces déplacements additionnés à de nombreux voyages sur la planète marquent et métissent sa pratique en arts visuels. Dans la jeune vingtaine, après ses études collégiales en arts plastiques, elle s’expatrie au Sénégal pour accompagner son conjoint, mais aussi pour explorer le monde et déployer ses ailes. Ce séjour de deux ans en terre africaine suscite chez elle un intérêt pour les habits des Sénégalaises et leurs parures aux couleurs vives qui détonnent avec l’aridité du pays et la pauvreté de ce peuple fier. Là-bas, elle expérimente l’aquarelle et le batik et anime des ateliers d’arts plastiques pour les enfants de coopérants canadiens en plus de produire des illustrations pour un dispensaire de brousse. De retour au Québec, parallèlement à sa pratique, elle travaille dans le domaine de la presse écrite durant une trentaine d’années, d’abord à titre de graphiste, puis comme gestionnaire.

De 2000 à 2004, elle fait des études au baccalauréat en dessin et peinture à l’université Concordia, ce qui a pour effet de stimuler sa pratique et son engagement au sein d’organismes de diffusion des arts visuels en Montérégie. En 2009, elle choisit de se consacrer principalement à sa pratique en plus d’offrir des ateliers de création aux adultes.

Plus tard, une rencontre fortuite l’amène à s’intéresser de manière plus approfondie aux racines de sa pratique. Elle entreprend alors le programme de 2e cycle en Étude de la pratique artistique dispensé par l’UQAR, puis complète ensuite sa maîtrise en art à l’UQTR en 2020. Sa pratique multimédia (peinture, vidéo, animation 2D, estampe, microédition) se déploie autour de questionnements liés à l’intime, notamment l’apparence et la perception, l’identité et l’altérité. À travers ses observations et ses réflexions nourries par sa réalité quotidienne et onirique, elle se penche sur cette dimension où le visible et l’anodin invitent au dialogue avec l’invisible.

Depuis plus de 35 ans, sa trajectoire l’a amenée à présenter son travail au Québec, en France, en Espagne et au Texas lors d’expositions individuelles et collectives ou en galerie.

Elle a notamment été membre professionnelle de Culture Montérégie (2003-2021) ; membre cofondatrice de la Route des Arts du Richelieu (présidente, 2016–2018) ; membre du Comité de développement culturel à la MRC Vallée-du-Richelieu (2015-2018) ; membre cofondatrice du collectif Artistes de cœur (membre du C.A. 2009-2014) ; et membre du Parcours des Arts du Richelieu (membre du C.A. 2009-2012 et 2014-2015 ; présidente 2016-2017).

Enfin, elle est membre professionnelle du RAAV depuis 1997 ainsi que du Conseil de la culture de l’Estrie depuis 2021.

Élue : AGA 2021

Marie-Claude Plante est, avant tout, une entrepreneure culturelle inspirante, audacieuse et innovante.

Elle cumule un parcours professionnel de vingt-cinq ans comme conceptrice graphique, en publicité et communication au sein d’agences sherbrookoises. À ce titre, elle connaît très bien les besoins communicationnels inhérents au monde des affaires. Elle a fait une incursion en formation professionnelle où elle a enseigné l’infographie.

En parallèle, elle obtient un diplôme de deuxième cycle en pratique artistique actuelle de l’Université de Sherbrooke et détient deux certificats de premier cycle en arts visuels et en études de formations pédagogiques.

Ses valeurs sociétales l’amènent à s’engager au conseil d’administration du Centre culturel d’arrondissement Le Parvis à Sherbrooke, dont elle assure la présidence entre 2017 et 2020. Son engagement se poursuit sur le CA de PESOT — organisme de création.

Ses connaissances du milieu des affaires et de celui des arts l’amènent à créer un ambitieux projet qui vise le maillage de ces deux secteurs d’activité. Le projet est incubé chez Espace-inc, accélérateur d’entrepreneurs.

En décembre 2019, Marie-Claude Plante fonde son organisme d’économie sociale De cause à effets qui utilise les marqueurs de l’innovation sociale et se consacre à tisser des liens pérennes entre artistes et gens d’affaires.

Depuis 2021, elle est membre du Pôle d’entrepreneuriat collectif de l’Estrie et fait partie du Comité entrepreneurs du QG du pôle de l’entrepreneuriat et du développement économique de la Ville de Sherbrooke. Depuis 2022, De cause à effets est reconnu au Conseil des arts du Canada comme organisme inter-arts.

Cooptée CA 27 juin 2022

Née à Edmundston, Nouveau-Brunswick et Montréalaise depuis sa jeune adolescence, le parcours de Thérèse Nadeau oscille entre un désir sincère de se mettre au service de l’humanité et celui de développer son talent artistique.

Sa formation se bâtit au fil du temps : un DEC en techniques de graphisme au CÉGEP du Vieux-Montréal (1973-1976), un baccalauréat en arts plastiques à l’Université du Québec à Montréal (1987-1991), et finalement un DEC en techniques de muséologie au Collège Montmorency de Laval (2002- 2006).

Afin d’assurer sa subsistance, elle exerce comme graphiste au sein de maisons de design telles que Guillon, Smith, Marquart et Raymond Bellemare, entre autres, et comme illustratrice auprès de maisons d’édition. Durant près de 20 ans, ses talents artistiques l’amènent à réaliser les vitrines et la présentation des produits en boutique du Musée des beaux-arts de Montréal.

En 1969, attirée par l’humanitaire, elle devient coopérante auprès d’une école de brousse en Papouasie-Nouvelle-Guinée. Elle y restera trois ans. De 1981 à 1984, elle œuvre auprès d’un organisme d’aide interpersonnelle à Boston, un travail d’équipe très formateur.

Mais c’est à Montréal, durant ses études à l’UQAM, que, saisie par l’ampleur de la vulnérabilité des personnes itinérantes, elle en imprègne sa pratique artistique qui produira des œuvres picturales de grandes dimensions dont les thèmes questionnent sa perception de la vie, de sa fragilité, en somme sa préoccupation socio-culturelle de la marginalité. Sa participation ponctuelle, 2007-2017, avec l’organisme ATSA pour l’événement État d’urgence lui aura permis un contact plus rapproché avec les personnes itinérantes.

Sa démarche artistique privilégie la matière acrylique polychrome sur toile et papier vélin. Afin d’accentuer les conditions de dénuement de l’itinérance, elle explore la monochromie, le graphite sur papier vélin marouflé sur des supports de bois. Ses œuvres se présentent sous forme de séries.

Sa pratique artistique s’échelonne sur plus de trente ans principalement en peinture et entrecoupée d’une production en dessin, en techniques mixtes et en installation. Elle a participé à des expositions collectives et solos à travers le réseau des Maisons de la culture de Montréal, des Centres d’exposition de Repentigny et d’Edmundston, N.B. Ses œuvres ont fait partie de la Galerie Vente et location du Musée des beaux-arts de Montréal et se retrouvent aux États-Unis et en Norvège, dans des collections privées de Montréal et dans celle de la Bibliothèque nationale du Canada.

Elle est membre professionnel du RAAV depuis 2000.