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À propos - Regroupement des Artistes en Arts Visuels

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Nous sommes le Regroupement des artistes en arts visuels du Québec.

La seule association légalement mandatée pour représenter l'ensemble des artistes en arts visuels québécois.

Nous sommes le Regroupement des artistes en arts visuels du Québec.

La seule association légalement mandatée pour représenter l'ensemble des artistes en arts visuels québécois.

La mission du RAAV est principalement de travailler à l’amélioration des conditions de vie et de pratique professionnelle des artistes qui font carrière dans le domaine des arts visuels au Québec.

Les arts visuels englobent les pratiques dites plus « traditionnelles » telles que la peinture, la sculpture, la gravure, les arts textiles, en y intégrant la photographie d’art (analogique et numérique), l’illustration, la performance, la vidéo d’art, mais aussi les nouvelles pratiques artistiques comme les arts numériques (images fixes et mobiles) et médiatiques. Si vous pratiquez une de ces disciplines ou tel qu’inscrit dans la Loi S-32.01, « toute autre forme d’expression de même nature », le RAAV est votre association professionnelle.

Le site du RAAV est une source d’information et de documentation pertinentes pour vous aider à gérer votre carrière. Le RAAV offre des formations spécialement conçues pour vous aider à développer pleinement votre carrière et en tirer un meilleur revenu. Le RAAV peut vous aider à défendre vos droits sur une base individuelle (problèmes de contrats non respectés, d’examen fiscal, de violation de droits d’auteur, etc.) et collectivement (négociations d’ententes collectives avec les diffuseurs). Le RAAV offre divers avantages à ses membres.

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Notre mandat et nos valeurs qui guident l'ensemble de nos actions

Honorer

La profession artistique et la liberté de son exercice

Défendre

Les intérêts économiques, sociaux, moraux et professionnels des artistes

Représenter

Les artistes professionnels chaque fois qu'il est d'intérêt général de le faire

Promouvoir

La réalisation de conditions favorisant la création et la diffusion des oeuvres

Notre équipe

Nathalie Dussault

Coordonnatrice au développement professionnel

5148667101

Écrire à Nathalie

Maryse Dupuy

Agente de développement culturel numérique

5148667101

Écrire à Maryse

Conseil d'administration

Moridja Kitenge Banza

Président
Biographie

Né à Kinshasa en 1980,  Moridja Kitenge Banza est diplômé de l’Académie des Beaux-arts de Kinshasa en 1999.

En 2003 il poursuit ses études en art à l’École Régionale des Beaux-arts de Nantes en France, où il obtient en 2008 le Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique.

En 2010 il reçoit le 1er prix de la Biennale de Dakar pour sa vidéo Hymne à nous et son installation de 1848 à nos jours. En 2011, il participe à THE EPHEMERAL à la Arndt galerie à Berlin, exposition qui présente également les oeuvres des artistes Joseph Beuys et Sophie Calle. Ses oeuvres ont aussi été présentées au Musée d’art contemporain de Roskilde au Danemark, à la première édition de la biennale de Casablanca, la National Arts Festival à Grahamstown en Afrique du Sud.

Sa démarche artistique se situe entre la réalité et la fiction. Moyen par lequel, il interroge l’histoire, la mémoire et l’identité sous un versant politique, social et économique.

Moridja Kitenge Banza

Président
Biographie

Né à Kinshasa en 1980,  Moridja Kitenge Banza est diplômé de l’Académie des Beaux-arts de Kinshasa en 1999.

En 2003 il poursuit ses études en art à l’École Régionale des Beaux-arts de Nantes en France, où il obtient en 2008 le Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique.

En 2010 il reçoit le 1er prix de la Biennale de Dakar pour sa vidéo Hymne à nous et son installation de 1848 à nos jours. En 2011, il participe à THE EPHEMERAL à la Arndt galerie à Berlin, exposition qui présente également les oeuvres des artistes Joseph Beuys et Sophie Calle. Ses oeuvres ont aussi été présentées au Musée d’art contemporain de Roskilde au Danemark, à la première édition de la biennale de Casablanca, la National Arts Festival à Grahamstown en Afrique du Sud.

Sa démarche artistique se situe entre la réalité et la fiction. Moyen par lequel, il interroge l’histoire, la mémoire et l’identité sous un versant politique, social et économique.

Crédit : Richard Janda

Shelley Freeman

Vice-présidente
Biographie

Originaire de Hudson Heights, au Québec, Shelley Freeman a suivi des études en arts plastiques et typographie à York University. Avant de déménager à Montréal en 1979, elle a travaillé pendant 2 ans chez Coach House Press à Toronto, puis a entamé une longue carrière comme travailleuse sociale en psychogériatrie. Ses obligations professionnelles ne l’ont pas empêchée de poursuivre en même temps des activités artistiques. En 1999, elle a obtenu son baccalauréat en arts plastiques de l’Université Concordia et est devenue membre du RAAV.

Depuis plus de 20 ans le travail artistique de Shelley se concentre sur l’interprétation des espaces vides que l’on retrouve dans les cavités naturelles telles que les grottes et les formations rocheuses, ainsi que dans les structures construites par l’homme, tels les tunnels et les mines abandonnées. L’inspiration visuelle pour ses peintures provient de photos qu’elle prend en faisant de la spéléologie et des randonnées. Sa fascination pour la dimension de la profondeur l’a également amenée à explorer l’univers sous-marin à travers son art. À ce jour, elle a exposé plus de 250 peintures et gravures sur ces deux thèmes, dans des expositions individuelles et collectives. Ses oeuvres font partie des collections publiques et privées à travers le Canada, ainsi qu’au Japon, en Australie, en Nouvelle-Zélande et aux États-Unis.

Shelley a été élue au conseil d’administration du RAAV en 2016 et occupe le poste de vice-présidente depuis juin 2019. Depuis 2017, elle représente le RAAV au conseil d’administration de CARFAC (Canadian Artists’ Federation/Fédération des artistes canadiens). Shelley est également membre d’ELAN (English Language Arts Network), et elle s’implique comme bénévole pour des événements culturels dans la communauté.

David Farsi

Secrétaire/trésorier
Biographie

Après ses études en ébénisterie et en design d’intérieur à l’école Boule (Paris), David Farsi a développé une carrière d’artiste autodidacte. Influencé par son enfance en Afrique, ses nombreux voyages et sa formation en métier d’art, David s’est construit un univers personnel tel un véritable bestiaire surréaliste. Sa démarche l’a conduit à explorer diverses techniques d’expression comme la peinture, la sculpture, la mosaïque, le vitrail…. De ses explorations David a développé une expertise de la laque.

Reconnu comme spécialiste, ses années de créations parisiennes ont été prolifiques. David a fait de nombreuses expositions, participé à de nombreux salons et a remporté plusieurs prix.

Au début des années 2000, nourrir sa démarche impliquait pour David Farsi un changement d’espace. C’est à ce moment-là qu’il s’installe au Québec avec un projet en tête celui de travailler une nouvelle « matière » le pixel. De 8 ans de recherche, un projet est né, 1024 œuvres autonomes carrées comme autant de pixels pour composer une seule œuvre le Ko (Kilooctet).

Depuis une dizaine d’années Farsi a repris un travail plus traditionnel de peinture. Sa recherche le guide vers de nouvelles formes et l’exploration et le détournement de matériaux actuels. Son travail récent est marqué par un dessin linéaire et affirmé. Sa démarche le conduit à réfléchir à la complexité des rapports humains.

On retrouve ses œuvres dans plusieurs musées européens et parmi des collections publiques et privées dans le monde.

Élu à l’AGA du 17 juin 2019

Lana Greben

Biographie

Installée à Trois-Rivières, Lana Greben est détentrice d’une maîtrise en muséologie et pratiques des arts de l’Université du Québec en Outaouais (2017) et elle poursuit ses études au doctorat en études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches portent un caractère transdisciplinaire : son travail s’apparente au texte comme un nouveau tissu de citations qui s’ouvre aux possibilités d’emprunts, à la transposition d’un système de signes en un autre.  Le dessin donne accès à sa signature unique, matérielle composée d’une multitude de lignes brisées opérées par un système de répétitions.  Elle réfléchit sur l’inscription de l’image dans le registre de données visuelles et sur sa portée informative.  Dans cet axe, elle s’intéresse à l’imaginaire de l’anti-surveillance et aux nouvelles formes du pouvoir provoquées par l’écosystème numérique et le capitalisme de surveillance.

Originalement porteuse d’une culture européenne, sa vision du monde se façonne par les différents espaces géographiques et collectifs dans lesquels elle évolue.  Pendant plus de 10 ans, elle a dirigé des projets dans le domaine de l’art visuel en sol abitibien.  En réconciliant sa propre pratique en recherche-création avec la promotion du travail des artistes du Québec, elle a monté des expositions ayant des approches tant traditionnelles qu’expérimentales, jumelant des références provenant de l’art contemporain, de l’histoire, de l’anthropologie, de l’ethnographie, de la sociologie, de la littérature, de la culture populaire et du quotidien.  Son travail artistique a été exposé au Canada, en Espagne, en Belgique, en France, en Roumanie, en Angleterre, au Vatican et aux États-Unis lors d’expositions collectives et solos.  Elle est récipiendaire de plusieurs prix décernés par le Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec (2010-2016), par l’Académie Arts Sciences Lettres de Paris (2012), par les Femmes en affaires d’Amos-région (2017), elle est aussi boursière de la Fondation de l’UQO (2016) et de l’UQTR (2019). Ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et institutionnelles – la collection de la Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BAnQ), la collection de Southern Nevada Museum of Fine Arts Las Vegas. Elle est représentée par la galerie Rock Lamothe – Art Contemporain.

Élue à l’AGA du 6 septembre 2020

Eugène Jankowski

Biographie

C’est à la lumière de quatre influences majeures : ses origines polonaises, son enfance auprès de la nature abitibienne, ses connaissances psychologiques et dernièrement, ses contacts avec les Inuits, que l’on peut le mieux saisir l’essence de ses œuvres et son parcours en tant que sculpteur sur pierre. À ses débuts, il sculpta des personnages contant des histoires basées sur la mythologie ou l’ésotérisme ; idée qu’il exploita au maximum. Voulant parfaire son apprentissage de la sculpture sur pierre, il sculpta de façon répétitive des corps humains, des têtes et des animaux dans l’optique de découvrir la meilleure technique pour sculpter ces pièces. Ce lui permis ensuite d’enseigner ce qu’il avait appris par essais et erreurs.Toutes ses sculptures sont reconnaissables par le fait qu’il ajoute des éléments secondaires à ses pièces. Par exemple, une sculpture de poisson installée sur une base avec des pierres et des morceaux de bois afin de créer un effet plus réaliste.

Souvent limité par les sujets sculptés, il décida de travailler directement la pierre, tout en y exploitant les formes et la géométrie. Petit à petit, il développa une technique qu’il nomma style libre. Il n’inventa pas cette technique, mais la conceptualisa, en tenant compte de l’aspect tridimensionnel de l’objet. L’objet doit être sculpté à la fois sur la longueur, la hauteur et la largeur. Cette technique qu’il raffina et que l’on reconnaît dans ses sculptures abstraites et figuratives, tient compte de ces différents facteurs. De plus, il y ajouta (un peu à la manière de la dentelle russe) un mouvement qui doit envelopper la pièce, tout en conservant ou en créant des propriétés géométriques. Dans cette approche, il essaie de créer un mouvement perpétuel autour de la pièce. Les ouvertures ou espaces négatifs sont alors utilisés pour accentuer ce mouvement, séparer les éléments ou créer une sorte de passage d’un côté de la pièce à l’autre.

Aujourd’hui, c’est la première technique qu’il enseigne à ses élèves. Il leur explique que l’expression artistique doit être dictée par la forme de la pierre. La technique et les différents outils sont au service de l’imagination. Le fait d’avoir monté l’atelier de sculpture sur pierre et d’avoir enseigné au Centre d’amitié autochtone de Montréal a grandement contribué au développement de ses sculptures d’influence autochtone. Lors de ces ateliers, il essaie d’amener les sculpteurs autochtones à voir la sculpture traditionnelle d’une façon plus moderne, en prenant ses propres sculptures en exemple. Il travaille actuellement ses nouvelles sculptures en développant une approche complètement différente avec des traits plus féminines, toute en allient sa technique abstraite à des éléments figuratifs. Pour lui, sculpter c’est : donner un peu de son âme ; telle une chrysalide qui devient un papillon.

Élu AGA 17 juin 2019

Crédit : Jean Lauzon

Guy Lafontaine

Biographie

Photographe de style documentaire et commissaire d’exposition. Me passionnant pour la photographie depuis toujours, l’image occupe une place importante dans ma vie. Essentiellement autodidacte, c’est par la pratique, par mes lectures et par l’expérimentation que j’ai acquis la maitrise de cet art. Mes influences principales se retrouvent du côté de Walker Evans, Goeffrey James, Lyne Cohen et Frederick H. Evans.

J’agis aussi en tant que commissaire et comme conférencier.

J’ai participé à ma première exposition de groupe en 1985. Par la suite, j’ai présenté mon travail lors de plusieurs expositions solos et lors d’une quarantaine d’expositions de groupe au Québec, en Belgique et à Toronto.

Je suis désireux de montrer les diverses réalités qui me touchent et d’amener avec moi, dans des lieux non accessibles au grand public, ceux qui voient mes images. Au fil du temps, j’ai réalisé plusieurs documentaires traitant de sites industriels en transition, d’architecture en milieu urbain et de divers lieux hors norme.

Par mes images, je désire conserver une trace de ces diverses réalités en changement. L’ajout de mes images à diverses collections muséales permet de les rendre accessibles et utiles pour les commissaires, les historiens et les chercheurs. J’ai le désir que mes images résistent ainsi à l’épreuve du temps.

On retrouve de mes photographies au sein de diverses collections muséales au Québec et en France.

Mon implication au sein du C.A. du RAAV a pour objectif l’amélioration des conditions de pratique des artistes en arts visuels du Québec.

Élu au C.A. du RAAV le 2 juin 2018.

Guy Lavigueur

Biographie

Photographe professionnel depuis 1981

Artiste en art visuel depuis 1999

Admis à l’Académie royale des arts (RCA) en 2004 (CA 2010-2015)

Directeur photo/réalisateur depuis 2011

Travaillant en équipe ou en solo, en région urbaine tout autant qu’en zone éloignée.

Toutes ces années de pratique professionnelle l’ont amené d’est en ouest au Canada incluant l’Arctique, mais aussi ailleurs en Amérique, Europe, Asie et Afrique.

Artiste en art visuel depuis 1999

En 1999, il amorce le développement d’un volet « libre » artistique, il ajoute la vidéo en 2011.

L’essentiel de sa recherche d’interprétation du paysage est fait partir de prise de vue aérienne.

Depuis son élection à l’Académie royale des arts du Canada, il a participé à plus de 35 expositions solos et de groupe tant au Canada qu’en France.

Formation
Dawson Institute of Photography, Montréal, promotion 1980

INIS, Montréal, montage vidéo

Coopté le 26 novembre 2018

Lise Létourneau

Biographie

Lise Létourneau est détentrice d’un certificat en arts plastiques de l’Université du Québec à Hull, d’un baccalauréat en Design de l’environnement de l’Université du Québec à Montréal et d’un diplôme de l’École des Beaux-Arts de Montréal.

Son travail se subdivise en deux pratiques distinctes mais complémentaires : d’une part, ses œuvres éphémères dont l’aboutissement s’est légèrement modifié depuis qu’elle habite tantôt la ville, tantôt la campagne; les installations in situ qu’elle exécute en campagne sont alors photographiées pour alimenter un travail qui, par après, se fera, en ville, à l’ordinateur. D’autre part, il y a ses œuvres textile et fibres qui sont diffusées lors d’expositions et d’événements collectifs tant au Québec qu’à l’étranger.

En 2011 elle reçoit une bourse du CALQ pour réaliser un projet d’eploration en Patagonie, dans le delta du Parana (Argentine) et dans le parc régional Kiamika (Haute-Laurentides, Québec). Le projet s’est échelonné sur trois ans durant lesquelles elle travaille avec Eliana Castro, José Carracedo et Wanda Campbell. Le résultat fut la réalisation d’une publication et la présentation de 3 expositions dont la dernière en septembre 2013 au prestigieux Museo Sivori de Buenos Aires,

Son travail en arts textiles, quant à lui, l’a amené à participer à trois événements internationaux: Triennale de minitextile d’AngersDe l’imaginaire au virtuel (1997-1998) (Musée du textile d’Heidelberg, Allemagne; Musée de l’Industrie de Trondheim, Norvège; Musée d’Angers, France); International Exhibition Flax 96- The same but different… (1996)  (Galerijoje Arka, Vilnius, Lithuanie); Biennale de miniature de Ville-Marie 2010. Une de ses œuvres  a fait l’objet de l’exposition  La Rencontre, Y Cyfarfod, The Meeting, Nitu Natshiskuataw. Cette exposition, en collaboration avec Diagonale, Centre des arts et des fibres du Québec, a été présenté à Cardiff au Pays de Galles. Et a par la suite fait l’objet d’une tournée dans plusieurs leux de diffusion au Québec. Depuis 1996, elle partage l’immense projet Roches nomades avec l’artiste Wanda Campbell.

Lise Létourneau est membre du conseil d’administration des Arts et la Ville depuis 2012 et a été présidente du Regroupement des artistes en arts visuels (RAAV) de 2007 à 2012. Elle est également membre artiste professionnel de Diagonale, Centre des arts et des fibres du Québec, dont elle a assumé la présidente jusqu’en 2006. Elle a été membre du conseil d’administration du Conseil de la culture des Laurentides de 1996 à 2004, présidente du Conseil des Arts Textiles du Québec de 1998 à 2002. De 2002 à 2007 elle a siégé, a titre de spécialiste, sur les comités de sélection pour la Politique d’intégration des arts à l’architecture et à l’environnement des bâtiments et des sites gouvernementaux et publics du Gouvernement du Québec.

Réélue AGA 2 juin 2018

Secrétaire – septembre 2016 – mai 2018

Avery Zhao-Djokic

Biographie

Avery Zhao-Djokic est une artiste en peinture et sculpture. Elle a obtenu un baccalauréat en design de mode de la Grande Ecole ESMOD à Paris (Ecole supérieur des arts et techniques de la mode). Pendant plusieurs années elle a travaillé comme styliste à Paris et à Montréal pour des marques internationales, ce qui l’a amenée à des voyages de recherche en Europe, en Asie et aux États-Unis.

Elle travaille actuellement à la Faculté des beaux-arts et à l’Institut Urban Futures de l’Université Concordia à Montréal, tout y en complétant un baccalauréat en arts plastiques.

Avery se produit en tant qu’artiste visuelle dans des festivals d’art et des concerts où elle crée des peintures en direct. En 2017 son projet de performance interdisciplinaire, Art Crush, a donné un spectacle au Bourgie Hall du Musée des beaux-arts de Montréal en collaboration avec Ensemble Caprice, un ensemble de musique baroque. Avery est inspirée par la collaboration entre diverses disciplines notamment les beaux-arts, les arts de la scène et le design. Au sein de son ensemble Art Crush, elle dirige des projets interdisciplinaires avec des artistes en arts visuels, des musiciens et des danseurs.

En peinture, elle s’inspire aussi bien de la peinture documentaire ou historique que des sujets futuristes. En sculpture, Avery cherche à interpréter les dynamiques entre l’homme – la machine et les sociétés urbaines. Elle communique ces idées en utilisant souvent des matériaux réactifs ou ‘intelligents’ et les techniques de la répétition, la gradation et le rythme. Ses sculptures sont généralement composées de pièces soigneusement conçues, de pièces de puzzle ou de formes répétitives qui se rejoignent en une seule forme. L’épopée, la nostalgie, le futuriste ou le fantastique sont également explorées dans ses œuvres.

Élue : AGA 2017

Secrétaire/trésorière : 18 juin 2018 – 17 juin 2019

Myriam Houde

Biographie

Administratrice non artiste

Directrice d’une équipe de professionnels en communication dans une grande entreprise, Myriam Houde joue un rôle conseil auprès des dirigeants d’un réseau de 450 succursales et centres de service aux entreprises. Elle collabore à des équipes de travail multidisciplinaires pour faciliter la communication de diverses initiatives auprès des quelque 9000 employés du secteur. Reconnue comme une leader efficace et innovatrice, elle influence positivement les employés et facilite leur adhésion aux changements.

Diplômée de l’Université Laval, Myriam a une formation multidisciplinaire en arts visuels, histoire de l’art, cinéma et théâtre. Elle est diplômée de l’École d’été sur le management de la créativité des HEC.

François Le Moine

Biographie

Administrateur non-artiste

François Le Moine est avocat. Il pratique en litige, en droit des arts et en droit d’auteur et travaille pour divers acteurs du milieu culturel. Il a notamment représenté neuf institutions culturelles canadiennes (dont le Musée des beaux-arts de Montréal et le Musée d’art contemporain) devant la Cour d’appel fédérale dans le dossier Caillebotte, qui porte sur la définition de l’« importance nationale » au sens de la Loi sur l’exportation et l’importation des biens culturels.

Après avoir étudié à l’Université Paris 1 : Panthéon-Sorbonne et à l’École des hautes études en sciences sociales, il a complété son droit à l’Université McGill. Il a également effectué des séjours d’études aux universités de Keio (Japon), Shantou (Chine) et Copenhague (Danemark). Il enseigne le droit des arts et du patrimoine culturel de même que la philosophie du droit à l’Université de Montréal et est membre de la Commission permanente de l’art public de Culture Montréal.

Moridja Kitenge Banza

Président
Biographie

Né à Kinshasa en 1980,  Moridja Kitenge Banza est diplômé de l’Académie des Beaux-arts de Kinshasa en 1999.

En 2003 il poursuit ses études en art à l’École Régionale des Beaux-arts de Nantes en France, où il obtient en 2008 le Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique.

En 2010 il reçoit le 1er prix de la Biennale de Dakar pour sa vidéo Hymne à nous et son installation de 1848 à nos jours. En 2011, il participe à THE EPHEMERAL à la Arndt galerie à Berlin, exposition qui présente également les oeuvres des artistes Joseph Beuys et Sophie Calle. Ses oeuvres ont aussi été présentées au Musée d’art contemporain de Roskilde au Danemark, à la première édition de la biennale de Casablanca, la National Arts Festival à Grahamstown en Afrique du Sud.

Sa démarche artistique se situe entre la réalité et la fiction. Moyen par lequel, il interroge l’histoire, la mémoire et l’identité sous un versant politique, social et économique.

Alliances et concertations

Dans le but de représenter au mieux les intérêts de la profession d’artiste et d’assurer une présence efficace et continue auprès des instances publiques et gouvernementales qui régissent la pratique, le RAAV cultive le travail de concertation et de collaboration avec les associations et organismes parents du milieu artistique.

En ralliant l’ensemble des acteurs du milieu autour d’objectifs communs, nous nous donnons les moyens d’aller plus loin ensemble sur des enjeux importants, nous démontrons la force et la solidarité du milieu et pouvons sans équivoque affirmer que nous sommes la voix des artistes en arts visuels.

Liste des organismes alliés

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