Jeraume, artiste visuel de Québec, a consacré plus d'une décennie à Montréal avant de revenir à ses racines. Attiré par les arts appliqués dès son jeune âge, son parcours académique est marqué par des expériences variées. Créateur impulsif, il exprime son amour pour l'art à travers le dessin au crayon de bois. Explorant des thèmes liés aux lieux, au design de l'espace et aux objets du quotidien, Jeraume utilise une mosaïque de couleurs et de formes abstraites. Réceptif aux émotions, il les adopte comme guides pour sa création, restant discipliné dans sa pratique tout en explorant différents médiums, fidèle à la trame subtile de sa démarche artistique.

En cette époque opaque où les Humains ne font jamais ce qu’ils devraient faire, je résiste et persiste à ; Limiter la production d’objets en art pour augmenter la production de sens dans la société. Depuis plus de trente ans Je crée DES ACTES D’ART !

Mon but étant de propager un message positif d’amour, d’espoir, de tolérance et de vivre ensemble.

Les préoccupations de Liliane Keeler avoisinent des questions sociales et écologiques qui traversent notre société. Elle navigue à travers des événements d'actualité et oscille entre passé et présent, l'histoire faisant souvent surface par sa manipulation d'archives photographiques ou par son emploi d'objets qui ont une mémoire. L'approche multidisciplinaire qu'elle adopte lui permet d'allier une forme d'expressionnisme abstrait à des connaissances techniques sur la matière. Ainsi percolent peinture, mosaïque, installation et street art, des pratiques coulant l'une dans l'autre et assoyant un corpus tout en continuité. Des références à l'art romantique, des techniques de mosaïques relevant de l'Antiquité, une valorisation d'éléments récupérés et ayant du vécu par souci métaphorique tout autant qu'environnemental: tout cela participe à l'évolution d'une pratique à la croisée du réel et de l'imaginaire. Née à Ottawa (Ontario), Liliane Keeler vit et travaille sur la Rive-Sud de Montréal. Initialement formée en design de mode, elle nourrit un intérêt grandissant pour les arts visuels et décide de compléter un baccalauréat en arts plastiques et en histoire de l'art à l'UQAM. Elle poursuit également plusieurs formations sur l'art de la mosaïque à Montréal et en France.

Malika a baigné depuis son enfance dans un milieu d’arts au contact de son frère ainé Ray Slim, lui-même artiste peintre. Un artiste qui a énormément influencé ses créations. Créations qui vont du semi-figuratif à l’abstrait.

Depuis plusieurs années, j'œuvre dans le but de développer et de traduire mes connaissances en costumes de scène vers l’ère des opérations numériques. Je suis dotée d'une énorme créativité quand vient le temps de jumeler les nouvelles technologies aux beaux-arts.

À travers mon art, j’exprime ce qui est vu comme étant différent et je dénonce la façon de certains face à cette différence. Dessiner m’aide à découvrir qui je suis et à travailler sur l’acceptation de ma condition. L’enfance, la scoliose et la dysphagie sont mes sujets de prédilection. Mes œuvres abordent l’isolement que me fait subir ma peur d’être jugé. Elles traitent aussi de ma timidité dû à mes troubles de langage et à mes lacunes de compréhension. Enfin, d’autres parlent du déplacement de l’axe de mon corps qui me donne une autre perspective du monde. Une tige de métal est parfois attachée aux colonnes vertébrales de mes personnages, en allusion aux chirurgies subies dans mon passé. Mes influences sont une rencontre entre l’abstraction de Basquiat et les autoportraits de Frida Khalo, où l’on voit sa souffrance cachée sur des couleurs vives. Par ma peinture, je cherche à montrer des corps atypiques dans un milieu souvent dominé par des images de corps standardisés. Je cherche à sensibiliser le public à collaborer à ce que les personnes qui partagent ma condition se reconnaissent et à promouvoir leur empowerement. J’exprime le droit d’appartenance de leurs corps dans l’espace et leur désir d’existence, non comme une différence, mais comme la norme. Il s’agit là d’une forme de résistance, face aux codes de l’apparence et des standards de beauté. Les visages présentés dans le cadre de cette exposition ont la forme d’un masque, qui représente pour moi un symbole de résistance. Les personnages sont des minorités visibles qui tentent, par la représentation du masque, de s’accepter et de ressortir de l’ombre.

Michel Desroches pratique le dessin depuis une trentaine d’années. Cette discipline imposée se démontre aujourd’hui dans son travail composé de forte présences linéaires. Depuis environs trois ans Il s’adonne à la sculpture. Ses créations picturales sont grandement influencer par cette pratique de la sculpture et inversement.

Né à (République Démocratique du Congo) Owanda Djangawongo Bon est un passionné de l'art depuis l'enfance qui consacre l'essentiel de son temps libre à se perfectionner dans la pratique exhaustive du dessin de la peinture. Ayant grandi dans un environnement culturellement riche du point de vue artistique, le sens de la créativité est manifeste dans ses œuvres d'art. Ma passion pour le dessin et la peinture est restée intacte malgré les nombreux obstacles qui se sont dressés devant lui. C'est en 2006, j’intègre la prestigieuse Institut des beaux-Arts de Kinshasa pour faire des études de peinture Jusqu’en 2012 et juste après la fin que je m’envole afin de résider au Canada dans la province de Québec. Depuis que je suis arrivé au Québec (septembre 2014) je me suis consacré à mon art.

I am a visual art educator, community organizer and early stage art critic, enthusiast and artist interviewer. In my artistic community life, I value critical research and dialog around radical, transformative and anti-institutional art practices. Criticality in relation to ideas of "authentic portraiture," personal storytelling, and how self expression represents itself in image portraiture remain ongoing themes within my photographic practice. In my research and teaching practice, I focus on commodity culture in relation to representational artwork, the importance of slowness, failure and privacy in our creative processes, the negotiation and power of relationships and relational presence in one's art practice and what it means to make art within the scarcity based crisis of global capitalism.

Paul Brunet vit et travaille à Québec. Détenteur d’un baccalauréat et d’une maîtrise en arts visuels de l’Université Laval, il se consacre principalement aux pratiques picturales, ainsi qu’à explorer et définir la notion de peinture-installation. Depuis quinze ans, l’artiste a exposé son travail dans des foires à Vancouver, Chicago et Toronto, ainsi que dans de multiples centres d’artistes, galeries et lieux alternatifs au Québec. Ses œuvres font partie de plusieurs collections particulières au Canada et aux États-Unis.

YanikKA souhaite saisir l’essence des choses telles que la nature les présente afin d’en garder un souvenir intact : « Peindre les fleurs pour éviter qu’elles ne meurent ’ ». Voilà ce qui résume sa motivation artistique. Cela n’est pas sans rappeler la philosophie propre aux Vanitas du 17e siècle, dont le message manifeste est la finalité de la vie. En effet, YanikKA choisi d’emblée des modèles affectés par le passage du temps. Les jardins sauvages, les corolles abimées par le froid ou les feuillages déformés par les intempéries rejoignent sa préoccupation esthétique de capter l’essence de l’éphémère.