Jennifer Laoun-Rubenstein est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts, majeure en peinture et dessin, de l’Université Concordia. Elle s’exprime à travers la peinture, le dessin, et la sculpture, en passant par les arts de la fibre, les pratiques artisanales, et la création littéraire.

Jibé Laurin travaille différentes techniques d'assemblage de l'acier et aime donner une deuxième vie à des matières recyclées. Ses oeuvres sont picturales et sculpturales. Elle habite et travaille dans la région de Montréal.

En cette époque opaque où les Humains ne font jamais ce qu’ils devraient faire, je résiste et persiste à ; Limiter la production d’objets en art pour augmenter la production de sens dans la société. Depuis plus de trente ans Je crée DES ACTES D’ART !

Ceprano est né à Providence, Rhode Island, 1947; déménager à Ottawa, Canada en 1978. Réside à Gatineau, Québec, depuis 1998. Sculpteur, peintre, photographe, artiste public. Contrat annuel depuis 2000, par le gouvernement fédéral du Canada pour l'art public temporel 'in situ' au parc des rapides Remic, Ottawa.

John Latour est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels (Université d’Ottawa), d’une maîtrise en bibliothéconomie (McGill University) et d’une maîtrise en histoire de l’art (Concordia University). Il a eu des expositions solo en Alberta, Ontario et au Québec et il a participé à des expositions de groupe au Canada et à l’étranger. Il a reçu des bourses du Conseil des arts du Canada, le Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts de l’Ontario. Ses œuvres se retrouvent dans plusieurs collections privées ainsi que dans la Hallmark Fine Art Collection (Kansas City), la collection d’œuvres d’art de la ville d’Ottawa et Le Méridien Versailles (Montréal).

Josianne Dufour est une artiste neurodivergente qui s'intéresse particulièrement à l'aquarelle, aux crayons de couleur, aux tonalités désaturées, aux petits formats carrés ainsi qu’aux papiers joliment texturés. Ses moteurs de créations tournent autour d’une quête d’authenticité et de liberté, de l’impulsivité dans le geste, d’une approche libre de la perspective, de l’exploration des textures et de couleurs douces et désaturées.

Les concepts d’art et d’ingénierie comprennent ma vison de l’innovation basée sur l’ambiance et la collecte de données empiriques reliées à un lieu. Mon exploration est enracinée dans la propriété des matériaux, l’expérimentation d'assemblage, la technologie, le ''craftmanship'', la nature et expression. J’applique ma perception et mon attention au service de mon travail et celui des autres en collaborant.

Lyse Marsan compte plus de 40 ans de recherche picturale. Coloriste, elle a recours à la symbolique pour exprimer ses environnements dynamiques d’où émergent des animaux fantastiques, personnages ou grandes taches de couleur. Elle étudie d’abord en ateliers privés puis en institutions publiques avant de parfaire ses connaissances dans plusieurs pays d’Europe. La France reconnaît la qualité de son travail en lui accordant en 2000 la médaille d’or du Mérite et dévouement français au titre des arts. Elle est membre de plusieurs organismes provinciaux, nationaux et internationaux.

Marie Walsh est une artiste, auteure et pédagogue qui se démarque par sa connaissance des pigments et de l'utilisation qu'elle en fait. Amoureuse de la nature, elle considère la terre comme la première richesse des hommes. Voyageuse et exploratrice, Marie Walsh fabrique des pigments à partir de pierres et d'ocre qu'elle trouve au Québec et ailleurs. Elle met en valeur la beauté de ces pigments dans des compositions abstraites en bas-reliefs, qu'elle intègre à sa palette plus élargie de pigments. Elle est l'auteure d'un livre sur l'origine de 1oo pigments, dans lequel elle partage aussi ses recettes de peinture acrylique.

À travers mon art, j’exprime ce qui est vu comme étant différent et je dénonce la façon de certains face à cette différence. Dessiner m’aide à découvrir qui je suis et à travailler sur l’acceptation de ma condition. L’enfance, la scoliose et la dysphagie sont mes sujets de prédilection. Mes œuvres abordent l’isolement que me fait subir ma peur d’être jugé. Elles traitent aussi de ma timidité dû à mes troubles de langage et à mes lacunes de compréhension. Enfin, d’autres parlent du déplacement de l’axe de mon corps qui me donne une autre perspective du monde. Une tige de métal est parfois attachée aux colonnes vertébrales de mes personnages, en allusion aux chirurgies subies dans mon passé. Mes influences sont une rencontre entre l’abstraction de Basquiat et les autoportraits de Frida Khalo, où l’on voit sa souffrance cachée sur des couleurs vives. Par ma peinture, je cherche à montrer des corps atypiques dans un milieu souvent dominé par des images de corps standardisés. Je cherche à sensibiliser le public à collaborer à ce que les personnes qui partagent ma condition se reconnaissent et à promouvoir leur empowerement. J’exprime le droit d’appartenance de leurs corps dans l’espace et leur désir d’existence, non comme une différence, mais comme la norme. Il s’agit là d’une forme de résistance, face aux codes de l’apparence et des standards de beauté. Les visages présentés dans le cadre de cette exposition ont la forme d’un masque, qui représente pour moi un symbole de résistance. Les personnages sont des minorités visibles qui tentent, par la représentation du masque, de s’accepter et de ressortir de l’ombre.

Myriam Lafae est une artiste multidisciplinaire de la relève originaire de Québec et résidant à Victoriaville. Elle est l’instigatrice de la marque de vêtements éthiques AYAM Creation depuis 2013, mère, détient de 2 baccalauréats en arts visuels et 2 certificats; en anthropologie et en philosophie pour enfants. Lafae développe une pratique installative mélangeant plasticité et nouveaux médias, et affectionne la construction de projets interactifs d’art total. Écoféministe ascendant sorcière avec une lune en jaguar, elle œuvre au réenchantement des mondes dans une perspective écosensible, immersive et sensorielle, en posant un regard critique sur l’ontologie occidentale dominante. Elle intègre le vivant à sa démarche et perçoit son processus créatif comme une succession de gestes orientés vers le « prendre soin », et l’art comme un outil de guérison. Ces œuvres cherchent à rompre avec le temps réel et adopte une esthétique foisonnante à l’image de la nature et des mondes culturels.En 2020, elle fonde le collectif Arsenal Imagine, qui conçoit des œuvres à vocation sociale. Dans le cadre de la BNSC2022, elle réalise le projet AnthropoSème: mini-golf artistique et végétal en partenariat avec le CAJEMA, et en 2024, elle remporte deux bourses et deux mentions pour son projet Le jardin des entre-mondes.

I am a visual art educator, community organizer and early stage art critic, enthusiast and artist interviewer. In my artistic community life, I value critical research and dialog around radical, transformative and anti-institutional art practices. Criticality in relation to ideas of "authentic portraiture," personal storytelling, and how self expression represents itself in image portraiture remain ongoing themes within my photographic practice. In my research and teaching practice, I focus on commodity culture in relation to representational artwork, the importance of slowness, failure and privacy in our creative processes, the negotiation and power of relationships and relational presence in one's art practice and what it means to make art within the scarcity based crisis of global capitalism.