Les préoccupations de Liliane Keeler avoisinent des questions sociales et écologiques qui traversent notre société. Elle navigue à travers des événements d'actualité et oscille entre passé et présent, l'histoire faisant souvent surface par sa manipulation d'archives photographiques ou par son emploi d'objets qui ont une mémoire. L'approche multidisciplinaire qu'elle adopte lui permet d'allier une forme d'expressionnisme abstrait à des connaissances techniques sur la matière. Ainsi percolent peinture, mosaïque, installation et street art, des pratiques coulant l'une dans l'autre et assoyant un corpus tout en continuité. Des références à l'art romantique, des techniques de mosaïques relevant de l'Antiquité, une valorisation d'éléments récupérés et ayant du vécu par souci métaphorique tout autant qu'environnemental: tout cela participe à l'évolution d'une pratique à la croisée du réel et de l'imaginaire. Née à Ottawa (Ontario), Liliane Keeler vit et travaille sur la Rive-Sud de Montréal. Initialement formée en design de mode, elle nourrit un intérêt grandissant pour les arts visuels et décide de compléter un baccalauréat en arts plastiques et en histoire de l'art à l'UQAM. Elle poursuit également plusieurs formations sur l'art de la mosaïque à Montréal et en France.

Les révélations de l'inconscient sont cryptées dans l'allégorie citation de Lise des Greniers, M.A. Nous échangions sur la création artistique et d'histoire de l'art, autour d'une bouteille d'alcool artisanal que Lise avait achetée en Suisse, lors d'un voyage de recherche en arts visuels. Il n'y a pas d'âge pour faire l'expérience du monde et des choses en général. Mais jusqu'à quel niveau de vécu faut-il pour se sentir prêt à coucher sur toile ses pulsions les plus profondes ? Peut-être que les bons peintres sont ceux qui ont le plus voyagé, fût-ce intérieurement ... Je découvris au fur et à mesure de nos discussions une personnalité aux facettes complexes, toute dévouée à son art, fascinée par la beauté (au sens platonicien du terme), mais aussi débordante d'énergie et d'une très grande volonté. Il est vrai que l'art contemporain est un domaine frileux au Québec. Lise des Greniers peut se targuer d'un parcours atypique. Enfant adoptée à l'âge de trois mois, elle développa un intérêt précoce pour le ballet classique et la musique classique, au grand dam de ses parents qui auraient préféré un style populaire. Afin qu'ils acquiescent à sa demande, elle leur confie qu'elle est incapable de danser et de jouer autre chose, elle n'a que 6 ans à l'époque. À l'âge de 23 ans, elle obtient une maîtrise en sciences politiques à l'Université d'Ottawa (qu'elle fit en 10 mois). Elle devint conseillère politique et adjointe à la députation à l'Assemblée Nationale. L'investissement au sein de la communauté fut toujours au centre de ses préoccupations. Ce parcours, où l'approche sociale fut aussi importante que l'humanisme le plus élémentaire, a poussé Lise à s'intéresser à l'Humain comme mécanique à appréhender. Cette dernière approche lui fit entamer des études de maîtrise en sciences religieuses à l'Université Laval. Par la suite, à son retour à Granby, elle est élue conseillère municipale. Sa détermination pour la protection du patrimoine architectural lui fit réussir à mettre à l'abri des intempéries le sarcophage et le masque de la fontaine du masque grec ainsi que la création du premier trajet patrimonial. De surcroit, en réponses ses revendications le conseil municipal accepte la création d'une politique culturelle. Par la suite, elle fut nommée par décret en conseil, signé par madame Michaëlle Jean gouverneure générale du Canada, administratrice-dirigeante au conseil d'administration du Musée Canadien de la Nature à Ottawa. Mais tout ne s'arrête pas là, elle fit un cursus de 6 ans d'étude en psychanalyse clinique à l'École Freudienne du Québec. C'est suite à cette formation, qu'elle a radicalement changée de courant artistique. Dorénavant, son talent ne lui suffit pas, alors depuis 2021, elle est aux études supérieures à la faculté des arts de l'Université du Québec à Montréal en préparation d'une maîtrise en histoire de l'art. Simultanément, Lise poursuit sa carrière d'artiste-peintre. Sa formation en psychanalyse lui permet d'offrir aux artistes des consultations leurs permettant d'approfondir leur démarche artistique et de développer leur profil d'entrepreneur. Au premier regard ses oeuvres sont une pure abstraction, mais un oeil averti décèle tour à tour le deuxième niveau de représentation, les détails du tableau permettant d'y déceler des figures riches en symbolisme. L'artiste fut toujours fascinée par le symbole, le signifiant et son allégorie. Son oeuvre est parsemée d'indices à suivre pour comprendre sa pensée et les ramifications de son esprit créatif. Parmi ses domaines de prédilections, la mythologie reste un important dominateur commun. Ce lien, qui remonte à Freud lui-même, la pousse à s'intéresser aux racines de l'Homme. L'oeuvre de Lise attire l'attention sur un héritage commun qui, de tout temps, a exercé une influence indirecte sur le public. Du Minotaure du mythe de Thésée jusqu'à son portrait d'aristocrate en passant par ses paysages de landes et de rivières, nous assistons à la mise à plat d'une abstraction en construction. À travers ses voyages et ses expériences successives, Lise peut se targuer d'un certain universalisme. Suite à la construction mentale du sujet de l'oeuvre, l'artiste donne une place à l'interprétation et au récit personnels et singulier du spectateur. La variété des matériaux utilisés pour ses oeuvres et l'irrégularité des traits laissent pourtant craindre un chaos et une perte de repères. Quid cet Océan infranchissable ou de cette cruelle Méduse, tous deux prêts à anéantir l'inconscient qui se risquerait à les défier ? De cet ce Bel l'oiseau sur l'épaule de l'homme qui marche rapidement ou de La jeune fille au bâton qui évoluent envers et contre tous, vers un avenir incertain ? Et enfin de ce Châtelain guindé et orgueilleux qui semble offrir un regard dédaigneux aux obstacles autrefois si terrifiants de la jeunesse ? Lise n'a aucunement l'intention de se revendiquer d'un quelconque grand maître à penser ou d'un courant connu. Pas question ici de pasticher tel ou tel artiste renommé. La création de Lise se caractérise par sa grande modestie, sans que cela s'apparente à de l'autosatisfaction abusive, l'artiste abhorrant trop la médiocrité pour ne pas approfondir ses expériences. La créativité ne doit donc pas être le monopole des grands centres urbains et l'artiste local doit avoir voix au chapitre. Envoler, avec son format atypique (15 cm x 122cm) donne un aperçu d'une recherche d'originalité. Ces dimensions témoignent d'une insatiable volonté de démarcation. L'oeuvre de Lise n'est pas simplement une synthèse de ses différentes expériences ou de ses sensibilités philosophiques. Si elle emprunte une symbolique évidente, elle reste avant tout une voie de libération de l'inconscient. Un auteur comme André Malraux tissait d'étroits liens entre la culture et la psychologie humaine. Selon lui, la culture est une manifestation de la psychè d'une population, mais demeurerait un élément à conquérir à mesure que l’état d'esprit du spectateur change au fil des siècles. L'art lui-même comme manifestation culturelle n'échappe pas à la règle. Lise des Greniers semble avoir compris cette analogie, en mixant nos instincts primitifs à une oeuvre en constante évolution, dont l'apparence familière ne doit pas nous tromper. Si une oeuvre est effectivement un élément à reconquérir encore et encore, il est du devoir de l'artiste de nous laisser au moins une piste pour arriver à en venir à bout. Lise a recours à une symbolique subtile et à une allégorie personnelle, mais incontournable, et ainsi nous aider à y voir plus clair.

Résidente de Beloeil (Montérégie) depuis bientôt 13 ans, Loane Ouellet est artiste en arts visuels et propriétaire d'une galerie d'art depuis 2020. C'est d'abord par un long détour en travail social qu'elle est finalement arrivée à se plonger complètement dans son art.

L’artiste peint et encaustique des panneaux de contreplaqué de bois comme des boiseries précieuses, puis les perce et les brode d’éléments d’architecture classique, de joaillerie, d’ébénisterie et plus généralement d’ornementation.

Malika a baigné depuis son enfance dans un milieu d’arts au contact de son frère ainé Ray Slim, lui-même artiste peintre. Un artiste qui a énormément influencé ses créations. Créations qui vont du semi-figuratif à l’abstrait.

Depuis plusieurs années, j'œuvre dans le but de développer et de traduire mes connaissances en costumes de scène vers l’ère des opérations numériques. Je suis dotée d'une énorme créativité quand vient le temps de jumeler les nouvelles technologies aux beaux-arts.

À travers mon art, j’exprime ce qui est vu comme étant différent et je dénonce la façon de certains face à cette différence. Dessiner m’aide à découvrir qui je suis et à travailler sur l’acceptation de ma condition. L’enfance, la scoliose et la dysphagie sont mes sujets de prédilection. Mes œuvres abordent l’isolement que me fait subir ma peur d’être jugé. Elles traitent aussi de ma timidité dû à mes troubles de langage et à mes lacunes de compréhension. Enfin, d’autres parlent du déplacement de l’axe de mon corps qui me donne une autre perspective du monde. Une tige de métal est parfois attachée aux colonnes vertébrales de mes personnages, en allusion aux chirurgies subies dans mon passé. Mes influences sont une rencontre entre l’abstraction de Basquiat et les autoportraits de Frida Khalo, où l’on voit sa souffrance cachée sur des couleurs vives. Par ma peinture, je cherche à montrer des corps atypiques dans un milieu souvent dominé par des images de corps standardisés. Je cherche à sensibiliser le public à collaborer à ce que les personnes qui partagent ma condition se reconnaissent et à promouvoir leur empowerement. J’exprime le droit d’appartenance de leurs corps dans l’espace et leur désir d’existence, non comme une différence, mais comme la norme. Il s’agit là d’une forme de résistance, face aux codes de l’apparence et des standards de beauté. Les visages présentés dans le cadre de cette exposition ont la forme d’un masque, qui représente pour moi un symbole de résistance. Les personnages sont des minorités visibles qui tentent, par la représentation du masque, de s’accepter et de ressortir de l’ombre.

Née à Montréal (Ste-Geneviève) en 1976, Mélanie Poirier est l’aînée d’une famille de quatre enfants. Du plus loin qu’elle se souvienne, elle a toujours gravité autour de la créativité.

Michel Desroches pratique le dessin depuis une trentaine d’années. Cette discipline imposée se démontre aujourd’hui dans son travail composé de forte présences linéaires. Depuis environs trois ans Il s’adonne à la sculpture. Ses créations picturales sont grandement influencer par cette pratique de la sculpture et inversement.

Réparer, recoller, suturer, plâtrer, panser, cautériser, transfuser, soigner, guérir... Par des interventions minimalistes et processuelles sur la matière végétale, Nathalie Bandulet explore le thème de la fragilité de la nature humaine et de son environnement vital.

Nathalie Guez est née en France en 1968. Diplomée en architecture, elle créait déjà du mobilier pour sa passion Arrivée à Montréal en 2004, Nathalie choisi d'exprimer son questionnement sur l’identité par le médium des chaises, qu’elle appelle: “Les chaises portraits”. En 2009, elle participe à l'exposition Meublémouvants de la galerie Matéria, à Québec, puis en 2010, son travail est exposé au Musée d’Art Contemporain de Montréal, puis, en 2011-2012 ses oeuvres sont sélectionnées par la galerie William Zimmer qui les présente aux SOFA show à New York, Santa Fé et Chicago et à Art Palm Beach. Elle reçoit une bourse de la SODEC pour ces expositions et est membre du “Furniture Society” En 2015 pour 3 années consécutives, Nathalie est Membre du jury pour la sélection d’artistes exposants à la galerie du Victoria Hall à Montréal, et membre du jury pour les projets de finissants en Art de l’Université Concordia. En 2016, L’oeuvre “Myriam”, Hommage à toutes les mamans, est intégrée à la collection permanente d'un hopital publique. En 2019, elle est lauréate d'un concours d’Art au Carré Westmount à Montréal. Aujourd’hui ses oeuvres se retrouvent chez de nombreux collectionneurs privés au Québec, au Canada, en Amérique du Nord, en Europe, jusqu’en Indes. C’est à partir de 2016 que Nathalie s’éloigne des chaises et du mobilier pour étudier la céramique pendant plus de 4 ans au centre des Arts Visuels de Westmount et aujourd'hui devient membre de l'association des Céramistes du Québec. Grace à ce rapprochement de la terre, se crée le lien entre l’argile - la matière, les mots- les ondes, et s’ouvre à elle, l'univers de rêves que propose la physique contemporaine sujet sur lequel elle travaille aujourd'hui.

Né à (République Démocratique du Congo) Owanda Djangawongo Bon est un passionné de l'art depuis l'enfance qui consacre l'essentiel de son temps libre à se perfectionner dans la pratique exhaustive du dessin de la peinture. Ayant grandi dans un environnement culturellement riche du point de vue artistique, le sens de la créativité est manifeste dans ses œuvres d'art. Ma passion pour le dessin et la peinture est restée intacte malgré les nombreux obstacles qui se sont dressés devant lui. C'est en 2006, j’intègre la prestigieuse Institut des beaux-Arts de Kinshasa pour faire des études de peinture Jusqu’en 2012 et juste après la fin que je m’envole afin de résider au Canada dans la province de Québec. Depuis que je suis arrivé au Québec (septembre 2014) je me suis consacré à mon art.