Depuis 2008, Annie Yung oeuvre au sein de l'Atelier Nayan et a réalisé 150+ murales/sculptures de mosaïque participative entre le Québec et la Suisse. Son expertise en méditation culturelle écoartistique, ainsi qu'en co-création d'oeuvres d'art public participatives pérennes permettent aux participant.e.s d’embellir collectivement des espace collectifs.

Les animaux et la nature sont au coeur du travail artistique de BGALI, ce qu’elle transpose dans un univers ludique et coloré. Des oiseaux en vol transportant des ficelles rappelant les liens qui nous unissent ou encore des poissons fantaisistes aux teintes vives, symboles de prospérité et d’abondance, sont parmi ses thèmes de prédilection. Son univers créatif est rempli de contrastes, de textures et de spontanéité; il inspire la joie tout en dégageant une énergie positive qu’elle souhaite contagieuse. Sa technique de création est aussi ce qui la démarque puisqu’elle tavaille avec la «peau» d’acrylique, prenant plaisir à manipuler ainsi la peinture devenue matière et créer à l’envers. Ce faisant, elle porte un autre regard sur la vie qui l’entoure, transformant ses impressions, ses inspirations et ses émotions en gestes artistiques pour en arriver à un univers semi-abstrait où se côtoient le monde vivant (poissons, oiseaux, taureaux, etc.) et le spectre des couleurs.

Née en 1983 à Montréal, Carine Génadry vit maintenant à Saint-Calixte dans la région de Lanaudière. Entourée de nature, elle y puise directement son inspiration et sa matière première : les plantes. En effet, Carine exploite la technique d’impression sur plaque de gel avec une approche personnelle; celle d’y imprimer des plantes à l’acrylique et de composer ses tableaux autour du thème de la connexion à la nature. Carine est diplômée depuis 2007 en enseignement des arts à l’Université Concordia et a accompagné jeunes et adultes aux besoins particuliers, où sa créativité lui a toujours servi d’alliée pour mieux les guider en art ou en intégration sociale.

Catherine Venne passionnée par le Fer forgé et le verre fusion elle aime façonner ces deux matériaux, explorant, expérimentant constamment la fragilité du verre et la robustesse du métal si différents et pourtant si semblables lorsqu’ils sont chauffés et qu’ils deviennent souples et malléables.

Né en Provence dans le Sud-Est de la France à Montélimar en 1981, l’artiste-peintre Fabien Bouvet alias «Fabralbo» est un artiste peintre multidisciplinaire utilisant l’encaustique, l’acrylique, l’huile et les émulsions grasses. Après l’échec d’un premier passage aux concours des beaux-arts de Valence (France) en 2000, il décide de prendre des cours à l’école Studio M à Montpellier (France). Après un an, il réitère, son portfolio en main, et retente les concours de Montpellier, Clermont-Ferrand et Valence… sans succès. Il continue à peindre dans les sous-sols de la maison de son père quand il décide en 2004 de se lancer dans l’aventure canadienne.

FrançoisRené est né en 1981 à Terrebonne, ses champs d'expertise sont les arts visuels (peinture, sculpture, installation)

Artiste multidisciplinaire, elle travaille de nombreux médiums. Les arts visuels et les arts textiles sont ces principaux axes de création. Elle s'adonne également au Land Art et à la sculpture. La peinture, la photographie, la texture et les couleurs occupent une grande place dans ces réalisations. Elle s’intéresse particulièrement à l’observation du temps présent. Pour elle, l’art est important et représente quelques choses peu importe l’âge et la manière dont on regarde une œuvre. L’art nous fait vivre des émotions, elle nous emporte à l’intérieur de nous et nous fait découvrir des idées, des objets, des moments. Pour ouvrir notre esprit vers d’autres horizons.

Photographie argentique et procédé Lumen

Native de Montréal, elle habite à Terrebonne dans Lanaudière où elle explore le domaine sculptural en parallèle à l'art numérique. Elle se fait connaître en participant à des symposiums ou des expositions collectives. Plusieurs solo toutefois lui ont permis d'affirmer sa créativité authentique. La sculpture lui apporte un regard particulier sur la matière et le sujet. Dans l'exploration de l'image numérique, la lumière devient matière et guide l'artiste vers le sujet. Ses oeuvres font partie de collections publiques et privées.

Artiste de l’image, Isabelle Hayeur est connue pour ses photographies et ses vidéos expérimentales. Elle a également réalisé plusieurs commandes publiques, des installations in situ et des livres photographiques. Sa démarche s’inscrit dans la perspective d’une critique écologique, urbanistique et sociale. Ses œuvres ont été largement présentées dans des expositions, notamment au Musée des beaux-arts du Canada, Massachusetts Museum of Contemporary Arts, Centre culturel canadien à Paris, Hiroshima City Museum of Contemporary Art et aux Rencontres internationales de la photographie à Arles. Elle est récipiendaire du Prefix Prize 2025, du Prix du CALQ - Artiste de l'année dans Lanaudière (2022), du Prix de la Fondation Hnatyshyn pour les arts visuels (2021), du Prix du duc et de la duchesse d'York en photographie (2019) et elle a été finaliste au Scotiabank Photography Award (2015).


Je me consacre exclusivement à la peinture depuis 2009. J’utilise les encres acryliques iridescentes, les acryliques perlescentes et le mortier de structure flexible, sur toile depuis 2009. La texture et les couleurs iridescentes donnent une apparence quelque peu différente à mes oeuvres, selon l'angle d’où on regarde la toile et selon aussi, la luminosité de la pièce à différents moments du jour… Les sujets traités y sont variés, mais inspirés en majorité du monde végétal. Et je le nomme : Art relief.

Mes premières oeuvres furent influencées par la lecture de romans. J'ai voulu reproduire les moments de bien être déjà inconsciemment, je luttais contre la violence. Durant ma carrière, j'ai privilégiée la sculpture sur pierre car elle me permette de créer avec une rapidité d'exécution dans l'énergie du moment. Lorsque je sculpte, je me sens comme une médiatrice face au chaos représenté par les arrêtes des pierres. J’utilise la technique de la taille directe et transforme l’apparence de la pierre à l’aide de marteaux et ciseaux. J’arrive à des formes organiques à l’aide des râpes et de sablages puisant en elle une paix intérieure. Mes thèmes de prédilection sont les animaux, plus particulièrement les chouettes. Je les sculpture selon mon style et je les représente souvent en groupe. Je lutte contre la violence par la simplicité et la douceur des courbes. Mon but ultime pour chacune des oeuvres : imposer une pause dans le chaos du quotidien, tout en laissant place à l'interprétation.